Alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea (Gnamc) di Roma, Marina Abramović riunisce opere storiche e Transitory Objects in una mostra che mette il corpo del pubblico al centro dell’esperienza.
“Marina Abramović: Historical Works and Transforming Energy“, realizzata in occasione delle celebrazioni dell’80° compleanno dell’artista, curata da Shai Baitel, Direttore Artistico del Modern Art Museum di Shanghai, in collaborazione con l’artista, arriva nella capitale dopo la presentazione alle Gallerie dell’Accademia di Venezia per la 61ª Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia.
Roma propone una versione ampliata del progetto. Accanto ai Transitory Objects, Abramović presenta una selezione di opere storiche che attraversano alcuni dei passaggi decisivi della sua ricerca, da Imponderabilia a Balkan Baroque, fino a The Artist is Present. La sezione Historical Works, curata da Andrea Tarsia, non funziona come semplice apparato retrospettivo: mette in relazione il lavoro performativo dell’artista con una ricerca che, negli ultimi decenni, ha progressivamente spostato il proprio baricentro dal corpo dell’artista al corpo dello spettatore.
È proprio il corpo, infatti, a costituire il punto di accesso ai Transitory Objects. Letti di pietra, strutture e forme scultoree realizzate con quarzo, ametista, agata, tormalina e altri minerali chiedono al pubblico di sdraiarsi, sedersi, sostare. Non sono oggetti da contemplare a distanza. Richiedono tempo e presenza.
L’origine di questa ricerca risale anche al viaggio compiuto da Abramović lungo la Grande Muraglia Cinese nel 1988 e all’incontro con alcuni principi della medicina tradizionale cinese. Nei Transitory Objects il corpo umano entra così in relazione con un’altra temporalità, quella geologica dei materiali, con una scala temporale che eccede radicalmente l’esperienza individuale.
A Roma, però, il progetto assume una dimensione ulteriore. L’artista considera infatti fondamentale la presenza del Marina Abramović Institute (MAI), incaricato di facilitare l’esperienza del pubblico secondo il metodo sviluppato dall’artista. Il telefono deve scomparire, così come la distrazione permanente che accompagna la vita contemporanea. L’opera comincia quando lo sguardo smette di essere sufficiente.
In occasione della mostra romana, abbiamo incontrato in conferenza stampa Marina Abramović che riflette sul rapporto fra energia e materia, sulla tecnologia, sulla solitudine, sull’invecchiamento e sulla responsabilità dell’artista.
La serie dei Transitory Objects chiede al pubblico di partecipare fisicamente. Cosa può accadere attraverso il contatto con queste opere che non potrebbe accadere semplicemente guardandole?
Sono molto felice di presentare i nuovi Transitory Objects insieme alle opere storiche che hanno definito la mia carriera. Queste opere appartengono a momenti molto diversi della mia pratica e riunirle permette al pubblico di vedere come le idee alla base del mio lavoro si siano sviluppate nel corso del tempo.
Ho usato materiali che possiedono una determinata energia. Non sto semplicemente utilizzando dei materiali: ho sviluppato il concetto del corpo umano e del corpo del pianeta.
Durante il mio viaggio in Cina ho iniziato a comprendere i cristalli, il terreno riempito di cristalli, come gli occhi del nostro pianeta. La tormalina è il nostro cervello, l’ametista la nostra mente, il rame il nostro sistema nervoso, l’ematite, ricca di ferro, il nostro flusso sanguigno.
Ho preso questi materiali e ho creato oggetti con cui è possibile interagire energeticamente. I cristalli sono molto conosciuti e possono contenere una sorta di memoria, una conoscenza che appartiene alla storia dell’umanità. Se ci si concentra, se si trascorre del tempo con gli occhi chiusi, senza usare il telefono, in silenzio, si può entrare in relazione con questa energia e percepirla.
La mostra chiede dunque una condizione particolare di presenza.
Esattamente. Il mio principio è sempre stato molto semplice: voi mi date il tempo, io vi do l’esperienza.
L’altro elemento che considero fondamentale è essere qui e ora. Chi partecipa a Transforming Energy deve isolarsi dal contesto, dagli amici, dallo spazio circostante, da tutto ciò che normalmente cattura la sua attenzione. Deve lasciare andare l’energia precedente e permettere a una nuova energia di entrare nell’esperienza.
A Venezia questa condizione non è stata sempre possibile.
Nelle prime due settimane avevamo la presenza di un dispositivo che poteva bloccare completamente i telefoni. Le persone non potevano guardare il telefono, non potevano usare il computer.
Poi in seguito non è stato più possibile mantenerlo.Quando sono tornata a vedere la mostra, per me l’esperienza era completamente cambiata. Tutti facevano fotografie, tutti scattavano selfie. La presenza, la relazione fra gli oggetti e le persone erano cambiate.
Per questo la presenza nella Galleria Nazionale è così importante. Sono loro a creare le condizioni, lo spazio e l’atmosfera necessari affinché il pubblico possa davvero sperimentare l’opera.
Se fai fotografie o selfie, non stai vivendo l’esperienza. Devi essere dentro l’oggetto e devi trascorrere del tempo.
A Roma le opere storiche entrano in dialogo con il patrimonio della Galleria Nazionale. Che cosa cambia quando il suo lavoro viene presentato in un contesto diverso?
A Venezia il progetto è stato invece messo in relazione con alcuni grandi artisti della pittura veneziana e del Rinascimento, come Giorgione, Bellini e Tiziano. Cercavamo una connessione fra il mio lavoro, la mia curiosità, la mia ricerca sul corpo e il modo in cui questi artisti hanno indagato il corpo.
Gli artisti del Rinascimento studiavano e rappresentavano il corpo. Io ho utilizzato il corpo stesso, quello dell’artista e quello del pubblico.
A Roma abbiamo le opere storiche e Transforming Energy insieme all’architettura e alla collezione della Galleria Nazionale. È un contesto in cui il contemporaneo può stare sullo stesso piano del contemporaneo. È naturale.
C’è un rapporto storico con Roma. Quanto conta per lei questa città?
Roma ha una storia enorme. E una parte fondamentale di questa storia riguarda la spiritualità.
Non parlo necessariamente di religione, ma del modo in cui le religioni hanno cercato di comprendere l’essere e il non essere, la vita e la morte. Hanno sperimentato e rappresentato questi temi attraverso rituali differenti.
Questo è stato centrale nella mia pratica, anche attraverso i miei viaggi. Non soltanto attraverso la mia cultura, ma attraverso le culture che ho incontrato nel mondo.
Avere questa risonanza più ampia proprio a Roma può essere molto interessante.
La mostra racconta qualcosa della sua pratica attuale. Ma cosa pensa che possa accadere alla sua ricerca in futuro?
Non posso prevedere cosa penseranno le persone. Posso fare del mio meglio e poi spetta a ciascuno accettare oppure no quello che faccio.
Se guardi la Monna Lisa e chiedi a trecento persone cosa hanno visto, avrai trecento risposte diverse. È lo stesso con tutto.
Ci sono persone che urlano, persone che vivono l’esperienza con angoscia. Non puoi mai prevederlo.
Una cosa che so, però, è che il pubblico giovane è sempre presente. E di questo sono molto orgogliosa.
Il suo lavoro richiede spesso al pubblico di rallentare e raggiungere una condizione di presenza. Perché è diventato così difficile?
Perché viviamo in una scatola. Avete visto dove viviamo? Avete guardato la nostra cultura? Avete visto lo sviluppo dell’intelligenza artificiale, che potrebbe portarci a diventare dei robot? Avete visto la situazione del pianeta? Le guerre ovunque?
Siamo assolutamente dipendenti dalla tecnologia. La tecnologia ci ha dato più spazio e più tempo, ma non sappiamo cosa fare di questo tempo libero.
Vogliamo sempre più dispositivi, più tecnologia, più videogiochi, più cose. Siamo esausti dalle nostre stesse attività.
La mia proposta è molto semplice: andiamo lentamente.
Andiamo lentamente. Andiamo lentamente. E restiamo con noi stessi in quel momento.
Cosa si aspetta da chi non conosce il suo lavoro?
Come potrei saperlo?
So che gran parte del mio pubblico giovane è molto emozionale. Il mio lavoro è estremamente emozionale. Non è necessario leggere intellettualmente dieci pagine di testo.
Dovete essere colpiti dal lavoro e dovete sentirlo.
Se non lo sentite, allora ho fatto qualcosa di sbagliato.
Spero che le persone siano emozionate.
Con l’età, cosa è diventato più importante per lei e cosa lo è diventato meno?
Ho eliminato molte cose dalla mia vita. Sono molto più interessata alla solitudine, alla natura, a trascorrere il tempo con i libri o con le persone con cui sento una connessione.
È molto semplice cucinare, mangiare e lavare il piatto.
Sono molto interessata alla semplificazione della mia vita.
Mi piace che le persone vedano il mio lavoro, non che vengano soltanto a fare un selfie con me. È sempre una bella storia.
Alla mia recente mostra al Gropius Bau di Berlino, Balkan Erotic Epic, non sono andata all’apertura.
La mostra ha raggiunto 200.000 persone ed è stata tra le più visitate a Berlino. Sono andata soltanto in incognito per vedere come fosse.
Conoscevo il lavoro, ma l’esperienza del pubblico era migliore senza di me. Questa è una nuova prospettiva nella mia vita.
Mi piace creare e mi piace lavorare. Ho lavorato fino all’ultimo minuto della mia vita. Mi piace fare performance, ma quando la performance finisce non mi piace quello che succede dopo.
Mi piace uscire immediatamente, tornare a casa ed essere sola.
E dopo questa mostra?
Una mostra come questa è impossibile da ripetere.
La prossima sarà molto diversa. Avrà un altro titolo, un altro soggetto, un altro tipo di lavoro.
È difficile per me ripetermi.
Voglio sempre un nuovo avvenimento.
