Osservando ogni sottigliezza e sfumatura di questa vita con i miei occhi – occhi che non smettono mai di cercare – provo una gioia ancora più grande perché vedo di più.”
Da questa dichiarazione nasce lo sguardo di Dmitriy Cherba: un gesto che è insieme curiosità e disciplina, slancio emotivo e metodo. Le sue fotografie non sono soltanto registrazione visiva, ma interrogazione prolungata del reale, un processo in cui il mondo viene sondato, scomposto e ricomposto fino a restituire significati inattesi.
La macchina fotografica, nelle sue mani, diventa strumento di lettura del tempo: capta istanti che portano impressi strati di memoria, tracce di passaggi umani e naturali, e li converte in fotografie capaci di durare oltre la loro effimera collisione col presente. Cherba lavora sulle soglie: tra luce e ombra, tra dettaglio e campo aperto, tra il visibile e ciò che si sottrae allo sguardo. In ogni scatto si percepisce una tensione etica: la consapevolezza che guardare è già scegliere, che l’atto fotografico modifica il soggetto e la relazione che abbiamo con lui.
Parlando con Dmitriy scopriamo che la fotografia, per lui, è anche pratica dell’empatia: un modo per avvicinare storie altrimenti silenti, per rendere tangibile la vulnerabilità e la dignità quotidiana. È un esercizio di attenzione che educa l’occhio a riconoscere la complessità delle cose e a resistere alla semplificazione. Attraverso il suo lavoro si impone l’idea che vedere “di più” non significa solo accumulare immagini, ma imparare a leggere i loro intrecci morali, affettivi e storici.
Dmitriy, mi hai raccontato che hai iniziato a “collezionare” il mondo ritagliando immagini nel tribunale dove lavorava tua mamma. In quel gesto infantile di nascondere le foto in una scatola, c’era già il desiderio di proteggere la realtà dal passare del tempo o era pura curiosità visiva?
Quel gesto rifletteva probabilmente un interesse nascente, che ancora oggi vive dentro di me. Ora, però, simboleggia qualcosa di molto più significativo. Da bambino, ero semplicemente attratto dall’immagine in sé – dall’aspetto visivo – senza capirne davvero il motivo. Oggi, invece, il mio interesse è rivolto ai contenuti significativi.
La fotografia documentaria può essere austera in termini di qualità estetiche, ma può veicolare contenuti potenti. Per me, in una fotografia, la sostanza conta più della composizione o di una bella illuminazione. Da bambino chiamavo i miei ritagli “belle immagini”, ma fu proprio allora che venne piantato il seme di un modo analitico di vedere la vita che mi circondava.
Racconti di aver pensato alla composizione di una foto persino durante un bacio. Ti capita mai di sentirti “prigioniero” di questo sguardo che inquadra tutto, come se non potessi mai vivere un’emozione senza trasformarla in un’immagine?
Ero giovane e romantico. Non mi sembra di essere mai stato intrappolato dall’inquadratura. Osservando ogni sottigliezza e sfumatura di questa vita con i miei occhi – occhi che non smettono mai di cercare – provo una gioia ancora più grande perché vedo di più. Ed è questo che distingue un fotografo da chi si limita a tenere in mano una macchina fotografica. Non lo considero un difetto, al contrario, è un aiuto. Quando arriva il momento decisivo, l’unica cosa che resta da fare è prendere la macchina fotografica e premere il pulsante.
Sostieni che il ritratto di un luogo non deve essere necessariamente attraente, ma veritiero. Come riesci a trovare la bellezza in ciò che è “non attraente” senza cadere nel voyeurismo del dolore?
Sono un fotografo documentarista e sociale, il che significa che è mia responsabilità ritrarre con onestà realtà difficili. Le persone mi accolgono nelle loro case e mi affidano la loro voce affinché possano essere ascoltate. Si tratta di una fiducia che va conquistata nel corso del tempo, ma riesco a farlo.
Come ho già detto, non sono un fotografo di bellezza. Per me ciò che conta è il contenuto, l’essenza stessa di ciò che sta accadendo. L’empatia genuina è fondamentale in questo caso: le persone la percepiscono. La fotografia umanistica è la mia massima priorità. Traggo ispirazione da fotografi come W. Eugene Smith, James Nachtwey, Alexander Glyadelov e altri. E come loro, cerco di raccontare storie di persone attraverso la fotografia.
Nella tua biografia parli spesso di “trama” ed “emozione”. Il bianco e nero per te è un modo per arrivare più velocemente a questa “umanità viscerale”, eliminando il rumore dei colori della modernità?
Mi sento semplicemente più attratto dalla fotografia in bianco e nero. Continuo a scattare con la classica pellicola in bianco e nero, la sviluppo da solo e realizzo le stampe nel mio laboratorio fotografico casalingo. È così che mi piace lavorare. Tuttavia, ho una buona comprensione e sensibilità per il colore, dato che ho studiato per oltre dieci anni per diventare pittore.
Essere figlio di un minatore di Tula ha influenzato la tua scelta dei soggetti? C’è una connessione tra il lavoro di chi scava sotto terra e il tuo scavare nelle vite degli altri con la macchina fotografica?
Sì, mio padre era un minatore. Lavorava in condizioni disumane, ha subito infortuni e, in generale, quel lavoro gli è costato gran parte della salute. Ma allo stesso tempo era un uomo dai grandi sogni e, a volte, persino un intellettuale. Non lavorava solo nelle miniere di Tula, ma anche al Nord. Sapeva disegnare solo due cose: un carro armato e un fucile. Da bambino lo pregavo continuamente di disegnarmeli.
Mio padre mi ha fatto scoprire la bellezza del Nord. Lo guardavo andare in mare e calare le reti da pesca. Ora vorrei aver avuto la possibilità di immortalare tutto con la macchina fotografica allora, così l’ho immortalato con gli occhi e l’ho custodito nella mia memoria.
Non vedo alcun parallelismo tra tutto questo. Il lavoro in miniera è duro per il corpo, mentre lavorare come fotografo sociale ti logora in modo diverso, psicologicamente. Tuttavia, mi riprendo abbastanza in fretta, perché questo lavoro mi affascina davvero.
Come decidi quando un volto o un luogo, pur nella sua durezza, è pronto per essere “preservato”? Cosa trasforma un momento in un’immagine necessaria?
È come un diapason interiore, una questione di intuizione. Una reazione agli eventi o a ciò che vedo. Non riesco a esprimerlo a parole. Lo sento e basta. Nei momenti più intensi, spengo la mente. Spesso mi dicono che dietro la macchina fotografica non sono la stessa persona che sono quando ne sono lontano, ed è proprio così.
Se dovessi scegliere un unico corpo di lavoro che rappresenti la tua missione di “cronista dall’interno”, quale sarebbe quello che senti più vicino?
Per fortuna, non ho un corpus di opere del genere: né una serie, né una singola immagine. Perché se lo avessi, significherebbe che la mia missione è giunta al termine. E io sto ancora andando avanti. Un fotografo una volta ha detto che il suo scatto migliore è quello che scatterà domani. Condivido pienamente questa affermazione. In tutta onestà, non potrei sceglierne solo una, perché dietro ogni immagine o serie c’è la storia difficile di una persona o di un gruppo di persone. Come potrei mai scegliere tra loro? Sono tutte significative e care per me. Tutte le mie serie e i progetti che ho realizzato riguardano le persone. Sono fatti storici. Catturano com’era davvero la vita nella nostra epoca, anche negli angoli più remoti del mondo. Questo è ciò che lascerò in eredità, se mai qualcuno lo desiderasse. E fino ad allora continuerò a cercare di raccontare queste storie. In questo momento sto costruendo il mio sito web, ed è un compito impegnativo, perché devo scansionare tutto il materiale analogico che ho girato dal 2011. Inoltre, continuano ad arrivare nuovi rullini. L’anno scorso ho scattato 235 rullini e non li ho ancora scansionati.
Secondo te ogni villaggio dovrebbe avere il suo cronista. In un mondo saturo di immagini superficiali, qual è lo scopo ultimo della tua documentazione? È un atto politico, un dovere storico o un bisogno privato di non dimenticare?
Considerata la situazione attuale del settore fotografico, il livello medio della fotografia non è migliorato. C’è troppa confusione, troppi scatti insignificanti. La facilità con cui si può realizzare un’immagine ha avuto un impatto negativo. Ma mi riferivo a coloro che comprendono di stare documentando il tempo e immagini in continuo mutamento. Questi sono gli analisti del presente. Sono persone diverse, con uno scopo diverso.
Il tuo Paese viene spesso raccontato per stereotipi o per estetica monumentale. Qual è la “verità” russa che le cartoline non riescono a catturare e che solo il cronista documentarista può vedere?
La “verità” russa risiede nell’ordinario, nell’umano. Nel legame tra un uomo e una donna, nella gioia e nel dolore, nella vita e nella morte. Un russo può essere gentile e arrabbiato, felice e infelice allo stesso tempo, ed è proprio questo mix che gli permette di capire sé stesso e gli altri. E quando esplori tutte queste sfaccettature della vita attraverso lo strumento della macchina fotografica, ti trasformi, cresci come persona. E attraverso le tue fotografie puoi aiutare anche qualcun altro a crescere, aiutarlo a diventare più gentile, più umano.
Se la fotografia ti permette di rivivere ogni episodio della vita, qual è l’immagine che vorresti rivivere all’infinito e quella che, invece, hai fotografato per potertene finalmente liberare?
La fotografia ha una qualità meravigliosa: può riportarti indietro nel tempo. E, naturalmente, vorrei tornare a quelle fotografie in cui i miei nonni sono ancora con noi, in cui mio padre è ancora vivo. Sono grato al destino per avermi fatto capire che queste persone devono essere fotografate ovunque e in abbondanza.
Mentre lavoro al mio archivio, a volte mi ritrovo a piangere, perché quando scattavo quelle foto non coglievo gran parte di ciò che era realmente lì. L’ho visto e capito solo anni dopo. Ho un detto che ripeto spesso: se tutti fossero fotografi capaci di analizzare e sentire questa vita, ci sarebbe molto meno male su questa terra.
L’ARTISTA
Dmitriy Cherba è nato nel 1987 nella città ferroviaria di Uzlovaya, nella parte orientale della regione di Tula, in Unione Sovietica.
Durante gli anni scolastici ha frequentato contemporaneamente la scuola d’arte di Uzlovaya e il circolo fotografico del Palazzo dei Pionieri, dove ha appreso le basi della fotografia.
Dal 2005 al 2010 ha studiato al Collegio d’arte A.S. Dargomyzhsky di Tula, nel dipartimento di pittura.
Nel 2011, dopo aver prestato servizio militare, è diventato insegnante di pittura e composizione presso la stessa scuola. Quando non lavora, dedica il suo tempo libero alla ricerca fotodocumentaria sulla sua città natale attraverso le immagini dei suoi abitanti.
Dal 2013 al 2018 ha lavorato come fotografo freelance per i quotidiani di Tula: AiF Tula, Sloboda e Tulskie izvestiya.
Nel 2018 è diventato fotografo di ruolo per il quotidiano Tulskie Izvestia. Oltre agli incarichi editoriali, dedica particolare attenzione alla fotografia umanistica e realizza i propri progetti.
Dal 2021 è membro della Russian Photounion.
Dal 2021 è membro della Noga Creative Union.
