Intervista – INGEBORG TYSSE tra decomposizione e metamorfosi della materia viva

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L’INTERVISTA 

La mostra Old Snag esplora la fragile soglia tra conservazione e decadimento, riflettendo sulla trasformazione, la memoria e l’eterno. Come nasce questa riflessione e in che modo si è tradotta nel progetto espositivo?

Come diramazione visiva di questo limbo tra conservazione, decomposizione, vita e morte, l’idea iniziale era quella di lavorare con armadi-vetrina come fondamento scultoreo. Nel corso del processo ho sperimentato come i tronchi dei ciliegi fossero, in sé, come vasi morti della vita: contenitori ma anche coltivatori al tempo stesso. Anche se privi di vita, portano al loro interno una straordinaria quantità di vita biologica che continua a evolversi.

Durante il periodo di installazione e per tutta la durata della mostra, abbiamo scoperto che i tronchi vivevano una vita propria, quasi mistica: le falene e gli insetti collocati sopra e dentro i tronchi, alcuni fissati con la colla, venivano tagliati in due, trasportati, nascosti o inseriti nella corteccia e nella “pelle” degli alberi. La vita al loro interno si espande, e il tira e molla tra conservazione e decomposizione è profondamente in atto.

Lavorando con la tassidermia, che per molti versi è un lavoro molto vicino alla morte, credo che queste domande emergano in modo quasi naturale. È una pratica affascinante: insistere sulla vita all’interno di ciò che è morto, cristallizzare e mantenere eterne le memorie della vita. Durante il processo di “Old Snag”, ho anche attraversato alcune questioni personali e, nonostante fossi sospesa tra morte e decomposizione, è stato uno dei periodi più vitali e trasformativi della mia vita.

A rischio di sembrare banale: in ogni morte la vita rifiorisce, ed è proprio questo ciò che è lo “snag”. È una grande metafora di dove mi trovo nella vita in questo momento.

Come si sviluppa nella tua arte, la transizione da “materiale trovato” a “vettore attivo di memoria”? Nel momento in cui sposti questi ciliegi dal loro ecosistema originario allo spazio asettico della galleria, non rischi di musealizzare proprio quel processo di metamorfosi che intendi celebrare?

Il modo in cui mi approccio ai materiali trovati è simile a una prospettiva animista: sviluppo una sorta di relazione con i materiali, attribuendo loro delle personalità e cercando di seguire la loro “logica”. Di solito raccolgo i materiali sul territorio, cercando luoghi e oggetti che abbiano una connessione concettuale o spirituale con il progetto. Quando si tratta di legno, è sempre di provenienza locale e già morto.

In LÆGER, i ciliegi morti sono stati riattivati sotto forma di colletti di lino, insetti morti e cinture di cuoio. Come accennato, la vita biologica all’interno dei tronchi di ciliegio ha continuato a vivere la propria giovane vita-morte, fondendosi con le nuove colonie in crescita di insetti e funghi, assorbendo il materiale aggiunto. E così la metamorfosi è in corso. Lo è sempre.

Anche se l’arte in sé è una forma di conservazione, io cerco di lucidare e continuare a trasformare ciò che è stato lasciato morire, non attraverso la musealizzazione, ma celebrando la decomposizione e la vita contenuta nel compost e nella morte.

I colletti elisabettiani e le cinture applicati ai tronchi in decomposizione sono tentativi di controllare il caos biologico o monumenti all’incapacità umana di accettare la fine?

Il tentativo di controllo è presente, eppure le gorgiere sono tutte in frammenti, rotti o ridotti in pezzi. Se il colletto è un simbolo di separazione tra testa e corpo, tra ragione e sensibilità, il caos biologico dei tronchi si espande oltre la ragione e il corpo del tronco diventa selvaggio.

Per me, la frammentazione è anche un simbolo del caos: elementi e tracce di vita che non riusciamo davvero a collocare. Come i ricordi, cerchiamo di costruirli, ma in realtà sono solo molti frammenti sciolti e disordinati.

I frammenti, in particolare i colletti frammentati, sono forse un modo per accettare la fine, e il fatto che la morte sia l’inizio della vita. Nel suo testo critico, Caterina Avataneo scrive anche di come le gorgiere funzionassero come una sorta di copertura della decadenza, in termini di segni visibili dell’invecchiamento del corpo. È un’idea che trovo davvero interessante.

Nel tronco verticale con le ali da gufo l’elemento mitico e antropomorfo flirta con il surrealismo. Cosa racconta questa opera?

“Old Snag” è una vera chimera. Le ali non sono ali di gufo reali, ma seguono l’anatomia di un gufo e sono realizzate con piume di Galliformi. Quindi si tratta di un uccello inesistente, a tutti gli effetti mitologico.

È un legno di pino locale, una tipologia che abbiamo anche in Norvegia, e ha un profumo molto buono. L’ho intagliato con strumenti in legno ereditati da mio nonno, creando una sorta di taglio o morso nel tronco, lavorando attraverso gli anelli di crescita dell’albero fino alle cellule interne.

Penso spesso alle gambe, alle gambe amputate, quando lavoro con questi tronchi verticali, ispirato dalla protesi di mia nonna, che lei decorava come se fosse parte del proprio corpo. Come lei, io orno le parti recise degli oggetti, dando loro nuova vita, persino ali per volare.

In questo pezzo, o gamba, vedo il ginocchio come una sorta di volto, e c’è un taglio nella coscia di “Old Snag”. È ispirato alla nascita di Dioniso, quando Zeus salva il figlio non ancora nato dalle ceneri di Semele, cucendolo nella propria coscia dove lo porta e poi gli dà nuovamente la vita.

Che storia di trasformazione e rinascita.

I tronchi di Old Snag sembrano esistere in uno stato intermedio, né vivi né morti, né oggetti né corpi. Ti interessa proprio questo territorio ambiguo dove le categorie smettono di funzionare?

Beh sì, è esattamente il territorio in cui mi sento a casa. Le categorie si sfumano e c’è la libertà di seguire la logica e il processo senza regole o idee preconcette su ciò che dovrebbe essere. Credo che l’ambiguità sia una condizione dolorosa, ma profondamente importante in cui esistere e creare.

Nella tua arte convivono scultura, installazione, tessitura, video e costume. Cosa ti permette di esprimere ciascun medium che gli altri non possono offrire?

Trovo sempre che il valore più interessante risieda nel trasferimento tra tutti questi linguaggi e mezzi espressivi. Dall’intaglio del legno al linguaggio e al ritmo della tessitura digitale, dal montaggio video alla semina, fino al camminare per strade o campi alla ricerca di elementi trovati. Il cambiamento di luoghi, ritmo e contesti richiede una presenza costante. È un fattore fondamentale della mia pratica e mi permette di essere al tempo stesso giocosa e concentrata.

La dimensione temporale sembra centrale nella tua ricerca. Quale è il tuo rapporto con il tempo?

Suppongo che il tempo sia piuttosto inevitabile. È un lavorare con la mia eredità attraverso il tempo trascorso con gli strumenti con cui ha lavorato mio nonno. È una storia, e un tempo che non è mai stato catturato da nessuno e quindi non è mai diventato ciò che percepiamo come storia.

È qualcosa di soggettivo, circolare, ed è anche politico. È fatto di diversi tipi di tempo e di prospettive, ed è anche selvaggio! L’orologio semplicemente non ne coglie nemmeno la metà.

Se dovessi scegliere tre parole chiave per definire la tua arte, quali sarebbero?

Se dovessi riflettere su me stessa come persona, direi: impaziente, irrequieta e giocosa, ma il mio lavoro richiede al tempo stesso concentrazione e tempo. Direi dunque: giocosa, mitica e contraddittoria.

Se le tue opere avessero una colonna sonora, quale canzone sceglieresti?

Forse “It’s Oh So Quiet” di Björk. È forte, divertente e infantile. Non esiste una mia produzione senza che io la ascolti.

Se venissi nel tuo studio, cosa troverei? Quadri, libri, piante, tecnologia, dischi…?

Al momento il mio studio è portatile ed esiste in valigie, che trascino lungo il mio percorso di progetti. Sono tre grandi valigie e contengono tutto ciò che è importante: la mia macchina da cucire, gli strumenti per intagliare il legno, un registratore audio, molte piume, pelle e parrucche per le prossime produzioni di costumi, materiali trovati che raccolgo lungo il cammino, taccuini e disegni, il computer e libri.

Si gonfiano e poi si riducono di nuovo tra un progetto e l’altro, e questa trasformazione è interessante da osservare (e da trasportare) in modo così materiale.

Ti senti più attratta dalla razionalità o dalle emozioni?

Ho sempre trovato che le persone che dicono “sono una persona molto razionale” siano in realtà le meno razionali che incontro. Quindi, diciamo che sono più attratta dall’emozione, ma la razionalità mi affascina.

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Cosa ti fa battere il cuore?

Ultimamente mi capita di intravedere un airone. Negli ultimi mesi sono stata in città attraversate da fiumi e canali, come Torino, Venezia, Parigi e Basilea, luoghi ideali per incontrare gli aironi.

Sono creature così misteriose, e c’è una certa sensazione di fortuna, o persino di “glitch”, quando li si vede.
Che stiano scivolando sull’acqua, seguendo il corso del fiume, oppure immobili e maestosi sulla riva.

Si dice anche che simboleggino la pazienza, che è qualcosa che sto cercando di trovare anch’io, quindi seguo l’airone.

L’ARTISTA 

LA GALLERIA 

Société Interludio è una galleria d’arte contemporanea fondata a Torino nel 2018 dalla curatrice Stefania Margiacchi e dall’artista Paul de Flers. Dal 2020 la galleria è diretta da Stefania Margiacchi.

Fin dalla sua nascita, Société Interludio si è concentrata sulle pratiche artistiche emergenti e di metà carriera, sviluppando un programma che intreccia mostre, commissioni site-specific e collaborazioni a lungo termine con gli artisti.

La ricerca e il dialogo costituiscono il fondamento dell’attività della galleria, promuovendo progetti sperimentali e creando contesti di confronto tra artisti, curatori e operatori culturali.

Originariamente concepita all’interno di un appartamento privato in Piazza Vittorio Veneto, la galleria si è evoluta da spazio indipendente a galleria d’arte contemporanea, mantenendo un forte approccio curatoriale e un costante impegno nel sostenere le pratiche artistiche nelle diverse fasi del loro sviluppo.

Nel maggio 2023, Société Interludio ha inaugurato una seconda sede a Cambiano, alle porte di Torino, all’interno di un’ex segheria dei primi del Novecento riconvertita in spazio espositivo. Dal 2024 questa sede è diventata lo spazio principale della galleria.

Société Interludio lavora con artisti italiani e internazionali, costruendo connessioni tra contesti e discipline differenti e portando avanti una ricerca continua sulle pratiche artistiche contemporanee.

Société Interludio
Via Torino 3
10020 Cambiano (TO)

INFO 

https://ingeborgtysse.com
@itysse/