Jamie Luoto, nata nel 1987 vive e lavora nei pressi di San Francisco, ha sviluppato un’intensa e significativa ricerca artistica attraverso una produzione di lavori che, pur segnati da un’intima introspezione, affrontano fenomeni complessi come il trauma e l’identità.
In modo particolare, il suo lavoro si concentra sugli effetti psicologici duraturi dei traumi sessuali, sottolineando come il corpo possa essere percepito come una testimonianza di sofferenza, ma anche come uno spazio di resistenza e di rinascita.
La sua arte non si limita a rappresentare il dolore come residuo di un passato doloroso, bensì trasforma il corpo in un territorio di scoperta personale e collettiva, inteso come un campo da attraversare, rielaborare e rivendicare.
Attraverso questa prospettiva, Luoto sprona a un ripensamento del corpo femminile, superando le narrazioni che lo relegano a un oggetto fragile e limitato, e riconoscendolo invece come un soggetto attivo, capace di azione, di trasformazione e di autodeterminazione. La sua pratica artistica si inserisce in un più ampio discorso di rivendicazione e di riscoperta delle potenzialità del corpo femminile, proponendolo come un elemento di autonomia, di resistenza e di potere personale.
LA COVER
L’INTERVISTA
Come e quando hai capito che l’arte sarebbe diventata il lavoro della tua vita? Quali eventi o emozioni hanno segnato il tuo primo contatto con la pittura e l’espressione artistica?
L’ho capito fin da piccola: sia i bambini che gli adulti lodavano i miei disegni, che raffiguravano principalmente gatti. Creare era il mio modo di dare un senso al mondo. Mi illuminava dentro e mi dava una pace che nient’altro riusciva a darmi.
Quando avevo circa dodici anni, la mia insegnante di arte mi prese da parte per dirmi che avevo un dono naturale e mi incoraggiò a svilupparlo. Mi suggerì di iscrivermi al Perpich Center for Arts Education, una scuola superiore speciale dedicata alle arti del Minnesota.
Al Perpich ho imparato gli aspetti pratici dell’essere un’artista visiva e sono entrata in contatto con l’arte e le strutture che la compongono. È stato lì che ho capito per la prima volta che essere un’artista era una vera vocazione. Tra un semestre scolastico e l’altro ho frequentato un corso estivo di acquerello a Nocciano, in Italia, dove abbiamo dipinto en plein air e visitato i musei di Roma.
Alla fine ho venduto il mio primo quadro. È stato il mio primo riconoscimento professionale e ho capito allora che fare arte sarebbe stata la mia carriera. L’Italia occuperà sempre un posto speciale nel mio percorso di artista.
La decisione di affrontare il trauma sessuale, spesso invisibile e interiorizzato, come tema centrale del tuo lavoro è stata una scelta consapevole o una naturale evoluzione del tuo percorso artistico e personale? Quali sono state le motivazioni che ti hanno portato ad approfondire questo tema?
Col senno di poi, tutto ciò che avevo fatto prima di questo lavoro era stata una preparazione, ma all’epoca mi è sembrato molto improvviso: il primo dipinto mi è letteralmente apparso in sogno nel dicembre 2017.
L’ho intitolato “I Believe in Ghosts” (2019) ed è diventato il punto di riferimento concettuale di tutti i dipinti che ho realizzato da allora. Inizialmente avevo immaginato una piccola serie, ma ben presto mi è stato chiaro che si trattava di un mondo intero. Continua ad evolversi: la recente mostra alla Kristin Hjellegjerde Gallery di Londra, ad esempio, si intitolava “Shadows of Unseen Grief” ed è stata ispirata da un intenso momento di angoscia che ho vissuto.
I tuoi autoritratti sono molto profondi e spesso intensi, a volte quasi violenti. Che ruolo hanno nel tuo percorso di esplorazione di te stesso e in che modo sono collegati al tema centrale della tua ricerca? Inoltre, come affrontano la dicotomia esteriore/ interiore?
Un aspetto della tensione tra immagine esterna e interna che mi interessa è il concetto di cose nascoste in bella vista. Quindi, mentre i miei autoritratti danno forma a ciò che ho dovuto tenere nascosto, potrebbe essere necessario guardarli da vicino. Voglio che le opere spingano una visione ripetuta nel tempo, rivelando strati di dettagli e significati nel tempo. Il lavoro riflette le conseguenze psichiche non lineari e continue della violenza e, in questo modo, i miei dipinti diventano sia un viaggio di esplorazione di sé che un mezzo per illuminare verità più ampie sulla visibilità e il potere.
In che modo le nature vengono integrate nella tua narrazione e come affronti l’iconografia e il simbolismo che scegli di rappresentare?
I miei simboli fanno parte del mio linguaggio femminile, qualcosa che credo ogni donna possieda, ma che spesso passa in secondo piano rispetto all’influenza del linguaggio maschile dominante. Nelle mie nature morte gli oggetti fungono da alfabeto simbolico, attingendo alla tradizione delle nature morte olandesi del XVII secolo.
Dipinti come “Metamorphosi”s (2025) o “Cherry Hare” (2025) mettono a fuoco idee specifiche isolandole in modo più comprensibile rispetto a quando sono elementi secondari di un’opera figurativa più ampia e complessa.
Cosa significa per te la parola “corpo”?
Per me, la parola “corpo” è inseparabile dall’esperienza, dalla percezione e dalla presenza. Il mio lavoro complica il concetto di corpo posizionandomi sia come artista che come soggetto, in modo che lo spettatore si trovi di fronte sia alla mia umanità che alle proprie reazioni, siano esse sessualizzazione, empatia, giudizio, pietà, ecc. Sono io a creare l’ambiente, lo scenario e lo sguardo; sono io ad avere il controllo. Non si tratta di narcisismo, ma di una pratica di sopravvivenza: un modo per capire dove mi trovo, quanto mi sento al sicuro o in pericolo e se sono pienamente radicata nel mio corpo. Il mio lavoro riguarda in parte l’abitare e il riappropriarmi del mio corpo, nonché l’affermare la mia presenza in un mondo che spesso esige che noi donne o sopravvissute ci rimpiccioliamo o scompaiano.
Come riesci a bilanciare l’espressione personale con la responsabilità di rappresentare esperienze così dolorose? In che modo questa scelta si collega alla tua idea di responsabilità artistica ed etica?
Considero il mio lavoro un atto radicale di vulnerabilità. Lascio che siano l’onestà e il mio intuito a guidare il mio lavoro, ma sono anche molto consapevole del confine tra espressione e sfruttamento. Piuttosto che ricostruire il chi, cosa, quando, dove e perché del trauma, mi affido all’ambiguità, perché essere donna significa vivere nell’ambiguità. In qualità sia di artista che di soggetto, posso acconsentire e andare in profondità quanto necessario, ma il mio lavoro non è confessionale. Non ricreo il passato né rievoco eventi traumatici. Il mio lavoro esiste nelle conseguenze, negli effetti psicologici del trauma, nei ricordi, negli echi e nei paesaggi emotivi.
Non si tratta di spettacolo o provocazione, ma di dare forma a esperienze e sentimenti che non hanno parole. Invito gli spettatori a sperimentare contraddizioni, tensioni e irrisolutezza, e a considerare il loro ruolo in ciò che stanno vedendo. In definitiva, sento la responsabilità verso me stessa di non essere più messa a tacere, e verso le altre donne e sopravvissute di contribuire a un discorso più onesto.
In che modo il tuo percorso e la tua ricerca odierna si inseriscono nel contesto più ampio della lotta contro i tabù che circondano le esperienze di trauma sessuale o di esplorazione di sé?
Sono proprio nel bel mezzo di questa lotta! Ai sopravvissuti viene chiesto non solo di dimostrare che qualcosa è realmente accaduto loro, ma anche che non se lo meritavano. Veniamo biasimate, non credute e poi spinte ad “andare avanti”. È qui che entra in gioco il mio lavoro, perché non ho alcun interesse a rivisitare ciò che è successo, ma mi sento in dovere di mettere in luce le conseguenze del trauma sessuale. È un mondo psicologico caotico, non lineare e pieno di tabù sul corpo femminile e sul suo controllo. Realizzare autoritratti è un modo per contrastare la mia capacità di dissociarmi, distaccarmi o abbandonarmi. Nella mia pratica, invece di scomparire, mi moltiplico. Divento più presente, più radicata, persino ribelle. È un processo di ricostruzione di me stessa e di riaffermazione della mia esistenza. Rendermi visibile sconvolge la cultura storica del silenzio, della cancellazione e dell’appropriazione del corpo femminile.
Quali messaggi desideri trasmettere?
Apprezzo il modo in cui l’osservazione dell’arte può rivelare aspetti di noi stessi, in quanto spettatori. Spero che il mio lavoro crei opportunità di autoriflessione e dialogo, incoraggi il confronto con esperienze personali e tabù e renda visibile ciò che non si vede.
L’ARTISTA
Jamie Luoto (nata nel 1987) vive e lavora nella North Bay di San Francisco. I suoi intimi autoritratti e nature morte indagano come l’identità venga plasmata, dentro e fuori, con un’attenzione attuale agli effetti psicologici duraturi del trauma sessuale. Il suo lavoro è stato incluso in ambiti accademici, in particolare nel corso Feminism, Art and Metaphors of Trauma dell’Honors Collegium della UCLA (2022–in corso).
Il dipinto Minds Pass Minds If They Be Occupied è stato esposto al de Young Museum nell’ambito della mostra The de Young Open (2023), mentre We Hunt the Doe è stato semifinalista allo Outwin Boochever Portrait Competition del Smithsonian Institute (2022).
Le opere di Luoto sono apparse in pubblicazioni come New American Paintings (Editor’s Selection, numero 175), Kunstforum International e Trebuchet Magazine; sono state presentate su piattaforme come Juxtapoz, Hyperallergic e Booooooom; e fanno parte di collezioni pubbliche e private internazionali, tra cui la Green Family Art Foundation di Dallas, USA (2023).
LA GALLERY
WEB & SOCIAL
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