Con mostre personali in tutto il mondo, da Hong Kong a Montréal, l’artista visivo Nicolas Party ha conquistato l’ammirazione della critica per i suoi paesaggi, i suoi ritratti e le nature morte a pastello, soggetti familiari ma spiazzanti, che celebrano e sfidano allo stesso tempo la storia dell’arte.
Colpito dalla sua prima mostra istituzionale in Italia, al Museo Poldi Pezzoli di Milano, intitolata “Trittico” (nell’aprile 2022), ho deciso di incontrarlo a New York, nella sua “base” nel quartiere di Brooklyn, e di scavare più a fondo nel suo mondo inquietante e stravagante.
Cosa significa per te, un artista svizzero, lavorare qui a New York?
Beh, non è affatto una risposta semplice. Essere un artista svizzero significa che sono cresciuto in una cultura e in un ambiente visivo specifici e che ho conosciuto una serie di artisti molto particolari, come Félix Vallotton. Inoltre, la maggior parte della mia formazione è avvenuta in francese, perché sono di Losanna. Questo ha ovviamente influenzato il futuro della mia vita e della mia carriera. Ho lasciato la Svizzera a 27 anni, quindi si può dire che vi ho trascorso gran parte della mia vita.
Quindi un altro svizzero a New York, proprio come Urs Fischer che fa base in questo stesso quartiere…
Essere uno svizzero a New York non mi fa sentire parte di una minoranza emarginata. Al giorno d’oggi il mercato dell’arte si trova per lo più a New York e come sai qui ci sono molti artisti provenienti da tutto il mondo. E’ la punta di piramide questa città, almeno da un punto di vista artistico.
C’è una sorta di competizione tra voi artisti?
No, per niente. Se non sei disposto a confrontarti con culture e linguaggi visivi diversi in una città come New York, e più in generale nel mondo dell’arte, perderai qualcosa di speciale”.
Come vivi la pressione artistica nel suo lavoro?
Beh, sento sempre molta pressione quando inizio un nuovo progetto, perché voglio soddisfare me stesso e le persone che hanno creduto in me e mi hanno invitato a partecipare. È sempre un privilegio realizzare qualsiasi progetto, da quelli grandi a quelli piccoli. So che alcuni dei miei colleghi e amici non hanno questa opportunità, quindi sono grato e nervoso allo stesso tempo, perché mi impegno a consegnare qualcosa che io merito, loro meritano e il luogo merita”.
Qual è l’opera d’arte a cui ti senti più legato?
Cambia ogni volta! Certamente ci sono opere con cui ho un legame speciale e che ho tenuto da qualche parte nel mio studio nel corso degli anni; ma non saprei indicarne una. Ce ne sono alcune per le quali dico: ‘Oh, quel quadro ha sicuramente qualcosa’ e ho un ricordo specifico legato ad esso, magari ricordo esattamente cosa accadde prima e dopo che l’ho fatto. Sono sicuramente tracce di memoria che custodisco”.
Ti viene in mente qualche opera d’arte che hai buttato via in passato pensando: “Questa non mi piace, oppure non è proprio pronta e quindi voglio gettarla via”?
Sì, succede spesso. Inizio a lavorare su qualcosa, faccio fatica e alla fine non posso fare nulla, devo rinunciare. Tuttavia, a volte per qualche motivo non lo faccio, queste opere escono nel mondo e sorprendentemente ricevono così tanti apprezzamenti dal mondo dell’arte che, di conseguenza, iniziano a piacermi un po’ di più. Questo mi ha fatto capire che non devo sempre fidarmi di quel momento iniziale di sconforto e che invece devo continuare ad andare avanti”.
Quanta importanza hanno le gallerie sul lavoro di un artista?
Non molto sul lavoro in sé, perché una galleria d’arte commerciale non ti darà mai un contributo artistico, ma a livello di carriera sì. Oggi sarebbe davvero difficile avere una carriera commerciale di successo senza l’appoggio di una galleria più o meno affermata. Non si può vendere un quadro senza una galleria che ti “copra le spalle”, cioè si può, ma è molto più difficile perché non si ha accesso a una rete consolidata di collezionisti privati che acquistano costantemente opere d’arte. Noi, come artisti, non abbiamo davvero il tempo di costruire quella rete da zero o l’interesse o forse entrambi”.
Quali sono gli oggetti più indispensabili che usi nel suo studio?
Gli oggetti più indispensabili sono solo la matita e un pezzo di carta. Tutto inizia da lì. Poi, naturalmente, vengono i pastelli, come può vedere dietro di me, è la tecnica che uso di più, ma senza gli schizzi e il quaderno dei disegni, per me, non c’è niente. Sono davvero come le prime parole di un romanzo, l’origine di tutto”.
Cosa ammiri di più in un’opera d’arte?
Molte cose! Ma soprattutto una qualità che provoca lo status quo e ti interroga continuamente, ma non ti fornisce necessariamente una risposta.”
E ora l’opposto… qual è la cosa che ti infastidisce di più in un’opera d’arte?
Non mi piace quando l’opera d’arte è quasi una pubblicità e il messaggio è chiaro e prosaico. È sempre un segnale di allarme quando il messaggio è presentato in modo così diretto da poter essere recepito senza alcuno sforzo ermeneutico. Mi piacciono le finestre e le porte aperte nell’arte”.
Ti capita mai di arrivare in studio e non avere idea di cosa fare?
No! Ho la fortuna di avere sempre tanti progetti in corso e, anzi, vorrei avere un po’ più di tempo per provare nuovi mezzi ed esplorare strade diverse. Posso lavorare per ore e il risultato finale mi delude, ma non vengo mai qui senza un piano: c’è sempre molto da fare. Questo è il bello del mio lavoro”.
